Laurent Capelluto, comédien

Cinergie : Tu as commencé par des études scientifiques…
Laurent Capelluto : J’ai fait 2 années de médecine et puis 2 autres à Solvay, avec beaucoup de sciences et d’économie. C’était un parcours absurde, délirant que je ne recommande pas forcément mais qui a plus à voir avec l’endroit d’où je viens que ce que je voulais être.

C. : D’où viens-tu ? Que voulais-tu être ?
L.C. : J’ai grandi dans un milieu où l’ambition était de faire de grandes études, où l’idée de faire un métier artistique n’était pas quelque chose de valorisé ni même d’entendable. Je n’étais pas capable de le faire entendre, à commencer par moi-même. J’étais très sensible au prestige social qu’apportaient des études, surtout réputées comme difficiles où on accordait beaucoup d’importance non pas à se réaliser ni à développer sa créativité, mais à faire partie de ceux qui réussissent le mieux.

Je suis passé par ce parcours un peu absurde où je n’ai pas l’impression d’avoir appris grand-chose si ce n’est passer mon temps à ne pas être bien dans mes chaussures, à faire des choses qui ne m’intéressaient pas et qui ne correspondaient pas à mon désir.

Ce début, c’est une petite ligne dans un CV qui correspond néanmoins à de belles rencontres. Dans ces facultés, il y a une sorte de loi d’attraction qui fait que les gens qui ne sont pas là où ils devraient être se reconnaissent et se rassemblent et dans un endroit comme dans l’autre, j’ai rencontré des gens qui suivaient le chemin tandis que d’autres se dirigeaient vers les marges.

C. : Les marges, ça te correspondait mieux ?

L.C. : Je crois qu’une fois que j’ai compris que la seule chose que j’étais capable de faire correspondait à mon désir, celui de faire du théâtre, je n’ai pas du tout vécu ça comme quelque chose de marginal. À l’époque, je ne pensais pas au cinéma, je voulais être acteur et j’ai pu me définir autrement que par rapport à un système ou à une imagerie définie.

Une fois que j’ai commencé le théâtre, je ne me suis plus du tout vu à côté de mes pompes, mais plutôt dans une dynamique de trouver mes pompes à moi.

C. : C’est marrant ce que tu dis sur l’idée de trouver ta place. Malgré tout, est-ce que tu as l’impression d’avoir appris des choses en observant les gens à l’université ?

L.C. : Peut-être qu’à ce moment-là, sans vraiment m’en rendre compte, j’ai nourri une bibliothèque et une vidéothèque intérieure. (…) J’ai peut-être développé une sensibilité et une forme d’observation qui m’a servi plus tard mais ça ne s’est tellement pas passé dans un état d’épanouissement que j’ai du mal à me dire que ça m’a servi. Peut-être d’ici 20 ou 25 ans, je pourrai le dire (rires).

C. : Comment s’est passée la transition avec le théâtre ? Tu t’es retrouvé au Conservatoire, dans la classe de Pierre Laroche. Ça a dû être un sacré bouleversement.

L.C. : Ça a été un bouleversement énorme, à commencer par Pierre Laroche lui-même. Ça a été une rencontre formidable. J’ai mesuré la chance que j’ai eue, y compris par la suite. Entrer au Conservatoire aussi, rencontrer des gens passionnés qui cherchaient, qui se risquaient. Etre acteur c’est aussi prendre le risque de se tromper sur qui on est, avec son corps, avec ses émotions, et avec la technique qu’on pense plus ou moins avoir construite.

J’ai vu une vraie générosité, des gens qui n’étaient pas dans le calcul. Il y avait une prise de risques de chacun, une très grande bienveillance et curiosité de la part de Pierre Laroche et de ses chargés de cours qui formaient une super équipe. C’était des gens formidables qui avaient un discours commun sur le théâtre qui était celui de Pierre mais avec une pratique différente et une grande ouverture d’esprit.

Quand Pierre, avec sa carrière, son rapport aux autres et son œil d’enfant, portait son regard curieux sur un étudiant, celui-ci ne pouvait que se sentir porté et surtout légitime dans son désir de faire du théâtre. Mais en même temps, il y avait une très grande exigence, on travaillait, on cherchait.

Si je n’avais pas réussi l’examen d’entrée au Conservatoire dans la classe de Pierre juste après ma décision d’arrêter l’université, je ne sais pas comment j’aurais géré cette situation. Là, très vite, en étant admis, j’ai senti une évidence que je ne connaissais pas et j’ai senti un regard d’aîné qui me portait et qui me rassurait sur cette question de légitimité.

C. : Quel âge avais-tu quand tu as tenté l’examen ?

L.C. : 22 ans. J’étais dans la moyenne d’âge de ma classe. La plupart des autres avaient essayé des choses avant. On n’était pas du tout dans une logique de course contre la montre, où la vie devait être une série d’étapes réussies, il n’y avait pas de modèle. Il y avait chez Pierre et son équipe l’idée que chaque élève et chaque parcours étaient singuliers et que chacun d’entre eux méritaient une attention singulière. Il n’y avait pas d’idéologie, il y avait un certain degré d’exigence de travail mais ils étaient ouverts à des formes nouvelles mais aussi anciennes. Ils n’étaient pas en réaction contre ce qui se faisait, ils étaient en remise en question de leur pratique mais pas non plus enclins à saluer toute nouvelle forme qui cassait les anciennes. Il y avait quelque chose dans lequel moi, je me retrouvais bien. Il n’y avait pas de snobisme non plus.

C. : Tu as parlé plusieurs fois de légitimité. Tu t’es interrogé plusieurs fois à son sujet ? Est-ce que ton apprentissage et ton passage par le théâtre ont pu t’aider ?

L.C. : J’ai longtemps traîné cette question de légitimité. J’ai souvent eu peur même bien après l’école qu’on vienne me taper sur l’épaule en me disant : “Ecoute, tu es gentil, on te trouve sympathique, mais tu vas rentrer à la maison. Tu vas laisser les gens, les vrais acteurs, les grands, travailler”.

À moins que ça paralyse ou devienne une posture, c’est bon de se demander si on est pleinement là où on devrait être. Faire l’acteur, participer à une histoire que l’on raconte, ce n’est pas quelque chose d’anodin. Si ça ne fait plus sens, s’il n’y a plus d’urgence à jouer, je crois qu’il ne faut plus le faire. Parfois, devant certains projets, je me suis demandé si ce qu’on faisait avait un sens ou si j’étais à la hauteur, si je n’étais pas en train d’utiliser des ficelles et des trucs que je savais faire.

Dans mes choix, est-ce que je privilégie des choses qui me permettent un certain confort, artistique et matériel, ou est-ce que je prends des risques ? Que ce soit au théâtre ou au cinéma, je pense que c’est important d’être au plus clair avec soi-même sur ce que ça représente de s’adresser à des gens, de leur raconter des histoires et de leur proposer un rapport au monde. Ce sont des actes qui ne sont pas anodins mais qui doivent se faire dans le plaisir. La question de la légitimité, c’est un bon moteur de réflexion, mais ça ne doit pas être paralysant, insupportable.

Dire qu’on est acteur ou comédien, ce n’est pas évident même socialement. Est-ce quelque chose qu’on est quand on l’a décidé ou quand on a acquis une certaine reconnaissance, que ce soit par des applaudissements, une critique ou bien ses pairs ? Cette reconnaissance-là, dès qu’on entrait dans la classe de Pierre, il nous la donnait. Il ne nous berçait pas d’illusions, il nous disait cette chose magnifique : “Peut-être que la plupart d’entre vous n’arrivera pas à vivre de ce métier et à en faire un métier mais ces années de formation, la fréquentation d’auteurs, de poètes, le fait de travailler avec d’autres personnes qui partagent la même flamme et le même désir que vous, tout cela, quoi que vous fassiez, vous servira et vous donnera une utilité dans la société”.

Pour moi, c’était important d’entendre ça, ça m’a permis aussi de m’inventer politiquement et socialement une place. Je ne pouvais pas élaborer ça tout seul dans le milieu où j’ai grandi.

C : Ça va mieux d’ailleurs ?

L.C. : Oui, oui, beaucoup mieux (rires). Quand le putsch a eu lieu, il a tout à fait été suivi.

C. : Ton premier projet au cinéma s’est fait avec Sam Garbaski sur Le Tango des Rashevski où tu jouais un rabbin libéral. De quelle manière la transition du théâtre au cinéma s’est-elle opérée ?

L.C. : Je suis venu à ce projet par Philippe Blasband qui a écrit le scénario du film. Je le connaissais depuis très longtemps, depuis qu’on était gamins car on faisait partie du même mouvement de jeunesse. Après, je l’ai rencontré au théâtre. Il a toujours eu une attention bienveillante envers moi. Quand Sam cherchait ce personnage qui était un rôle secondaire, assez bien écrit, drôle et en même temps plein de sens, qui jouait principalement des scènes avec Hippolyte Girardot, Sam m’a rencontré avec Gerda Diddens, une formidable directrice de casting. Je n’avais jamais fait de cinéma, le scénario était bien écrit. J’étais content mais ça ne correspondait pas à une volonté particulière. À ce moment-là, je n’étais que dans le théâtre. Je me souviens qu’après, à la sortie, je m’étais timidement et vainement cherché un agent et je m’étais très vite dégonflé et j’avais continué mon chemin.

Plus ou moins 6 ans après ce film, Arnaud Desplechin préparait Un conte de Noël et revoyait des films qui mettaient en scène des familles en crise. Il a revu Le Tango des Rashevski parce que son ami, Hippolyte Girardot, y jouait. Dans ce film, une famille est en crise d’identité suite à la mort de la grand-mère. C’est à partir de là qu’il a demandé à me rencontrer. C’est Un conte de Noël qui a tout changé. Le film est allé à Cannes, a été très fort plébiscité par la presse française et m’a valu une nomination aux César. C’est à partir de là que j’ai commencé à exister dans le paysage français. Pendant longtemps, on ne m’identifiait pas comme Belge. Dans la famille Desplechin, on ne voyait que des Français, voire des parisiens alors que je pense qu’Arnaud a une vraie curiosité par rapport aux acteurs. À ce moment, j’ai eu un agent qui est toujours le même et le cinéma a pris de plus en plus de place dans ma carrière. En fait, à plus d’un titre, le film de Sam Garbarski et le scénario de Philippe Blasband pour Le Tango des Rashevski ont vraiment fait office de déclencheur, mais à retardement.

C. : On t’a beaucoup vu dans de petits rôles. Comment l’expliques-tu ?

L.C. : Les liens qui m’ont fait passer d’un univers à l’autre sont vraiment dus au hasard. Sam Garbarski, c’est lié à Philippe Blasband, Arnaud Desplechin, c’est grâce au film de Sam, son directeur de casting, Stéphane Touitou, était celui de Michel Hazanavicius dans “OSS 117”, ….

À partir de là, quand on a une certaine visibilité, même dans des rôles secondaires, on peut être appelé et parfois faire des films parfois même sans faire d’essais. C’est très curieux parce que parfois, on peut travailler et faire des choses intéressantes voire importantes en matière de partitions mais ne pas être très visible parce que les films ne marchent pas bien ou ne permettent pas d’être vus dans des choses nouvelles. Et puis parfois, de toutes petites choses font la différence. J’ai fait une toute petite partition dans un film de Haneke, Amour, qui était un huis-clos avec Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva et Isabelle Huppert. Il y a quelques personnages secondaires et moi, j’ai fait l’ouverture du film, avec un plan-séquence où on découvre l’appartement. Amour est un film magnifique qui a été beaucoup vu, il a eu la Palme d’or, on y voit peu de personnages. J’ai eu une phrase et demie dedans, cela a demandé 2 jours de présence sur le tournage parce que Haneke est pointilleux et précis et que techniquement, ce plan-séquence n’était pas facile. Cette petite chose qui m’a pris 2 jours m’a parfois donné plus de visibilité que des partitions pour des rôles beaucoup plus importants voire des premiers rôles. Cela me fait penser qu’on ne doit jamais calculer en termes d’efficacité d’un emploi, qu’il faut vraiment fonctionner en termes de désir par rapport au projet. Une toute petite partition peut après ouvrir à des rencontres beaucoup plus importantes qu’une plus grande pour un projet moins intéressant.

C. : Comment conçois-tu ton métier ?

L.C. : Je suis comédien, je dois interpréter, si je ne fais que ça, c’est parce que je suis incapable pour le moment d’inventer des histoires, de les écrire. Je peux mettre ma créativité au service de quelqu’un et pour ça, il faut que j’ai le sentiment que cette personne ait une vraie nécessité à raconter cette histoire voire une urgence. Je pense que si l’urgence est réelle et que le travail se fait bien en équipe, le projet reste longtemps en mémoire.

C. : Dans ta filmographie, il y a des noms comme Arnaud Desplechin, Michel Hazanavicius ou Michel Leclerc, des cinéastes ayant fait plusieurs longs, mais tu te greffes parfois aussi à des projets de jeunes réalisateurs venus du court, comme Laura Wandel qui a tourné il y a quelques mois son premier long-métrage, La Naissance des arbres. Qu’est-ce qui t’incite à faire confiance à des jeunes auteurs ?

L.C. : Je dois avouer que les propositions que j’ai reçues pour des courts métrages, je ne les ai pas honorées souvent pour des questions de temps. Ça demande la plupart du temps d’être loin de chez soi et je le suis déjà beaucoup comme ça. Je ne vois pas tant de courts que ça mais je m’intéresse aux scénarios, aux histoires. Pour le coup, il y a quelques années, j’avais vu le court de Laura, Les corps étrangers. J’avais vraiment été impressionné, j’avais trouvé ce film incroyable d’autant plus que le format du court est quand même compliqué pour raconter une histoire et imposer un univers.

Un jour, Laura m’a envoyé le scénario de La Naissance des arbres en me disant, gênée, que les partitions des adultes étaient toutes petites et que tout était centré sur les enfants. Et à nouveau, en lisant le scénario, j’ai trouvé ça très maîtrisé, vraiment impressionnant. Ça me fait du bien de participer à des projets, à des aventures comme ça. Ça me nourrit beaucoup plus que d’autres rôles qu’on peut me proposer parfois, des rôles secondaires, fonctionnels, ne faisant appel qu’à des choses que je sais faire et que je sais que je sais faire.

C. : Comment fait-on quand on a déjà une carrière derrière soi et qu’on a déjà fait ses preuves au cinéma, à la télévision, au théâtre ? Comment continue-t-on à s’entraîner ?

L.C. : Je ne parle que pour moi. Très sincèrement, plus ça va, plus je considère que c’est important d’exercer ce métier avec rigueur et passion et en même temps, ça ne me paraît pas être la chose principale et la plus importante de ma vie.

Ma vie, mon quotidien, c’est mon rapport à ceux que je fréquente, côtoie. Je ressens une distance que je n’avais pas à 25 ou à 30 ans où j’éprouvais un besoin, une nécessité de reconnaissance.

Moi, je ne suis vraiment qu’un interprète, je ne peux que regarder autour de moi, me laisser pénétrer par les sentiments, les émotions, les images, les sons que je peux avoir. Quand on n’est pas créateur mais interprète et qu’on doit mettre son outil au service de quelqu’un, cet outil doit être le plus en éveil et en capacité de perception et de sensibilité.