Rencontre avec Yolande Moreau pour La Fiancée du poète

Cinergie : De quoi parle ce film ?

Yolande Moreau : C’est l’histoire de Mireille qui a 18 ans était passionnée de poésie et qui a suivi un mec. Elle est restée sur une douleur parce que ce n’était pas le mec qu’elle pensait et quarante ans plus tard, elle revient dans la maison familiale et c’est l’occasion de se reconstruire. On verra comment…

C. : Comment s’est mis en place le processus d’écriture de ce film?

Y. M. : Au départ, je voulais parler des faussaires. C’est à la fois loin et proche de ce que je raconte puisque je tricote quelque chose entre les deux. Dans la vie, il existe de multiples manières d’être faussaire ou de tricher avec la réalité pour se la rendre plus belle. Tous les protagonistes de ce film trichent avec leur véritable identité ou trichent dans le but de rêver. Il y a des phrases clés dans mon film comme « Sans les faussaires, la vie serait vraiment triste ». Je suis partie du côté joyeux des faussaires et en même temps, parallèlement à cela, on vit dans un monde de plus en plus dur. C’est de plus en plus difficile de rêver pour les enfants qui arrivent, pour les adolescents, de se projeter alors que nous pouvions le faire dans les années 1970. On se disait qu’on pouvait aller vers un mieux à l’époque et c’est cette absence de rêve que je trouve terrifiante. Alors, j’ai voulu bousculer un peu les choses et je me suis demandé ce qui pouvait nous faire rêver. Pour moi, c’est l’art et l’amour. C’est ça qui est raconté dans le film à travers l’histoire de Mireille qui revient.

C. : Ce besoin d’amour et cette nécessité d’enjoliver la vie se retrouvent dans vos autres films. C’est quelque chose qui vous a toujours motivée ?

Y. M. : On peut le retrouver en filigrane dans les autres. En tout cas, ici, c’est la nécessité de pouvoir rêver. C’est un film un peu libertaire. Il s’agit d’enfreindre des règles, de se reposer les vraies questions : que veut-on mettre au centre de notre vie pour continuer ? Est-ce qu’on est obligés d’obéir à ce contexte libéral imposé depuis l’enfance ? Est-ce qu’on est obligés de marcher dans les clous ? Réfléchissons à ce qui nous élève. Je pense que c’est l’amour, l’ouverture aux autres.

C. : Pourquoi avez-vous ce besoin de réalisation à côté de votre carrière de comédienne ?

Y. M. : La réalisation, c’est plus complet. J’adore mon métier de comédienne qui est quand même moins lourd que celui de faire un film. Mais dans un film, il y a toujours la continuation de ce que j’ai toujours fait en tant que comédienne, c’est-à-dire raconter des histoires, les gens, le siècle dans lequel on vit. En faisant un film, on choisit l’histoire qu’on veut raconter, les acteurs, la musique, le décor. C’est un art collectif qui est construit par tout un chacun. On est maître du bateau, on amène l’idée, mais après, c’est l’histoire d’une équipe. On est aidés par la technique sans qui on n’est rien.

C. : Malgré la difficulté de l’entreprise, vous prenez quand même du plaisir à créer. C’est peut-être un retour aux sources lorsque vous écriviez vos propres spectacles ?

Y. M. : Ce n’est peut-être pas un retour aux sources, mais c’est chaque fois un immense plaisir. J’ai souvent dit à Julie Salvador, la productrice française, qu’on avait beaucoup de chance de pouvoir faire ça. C’est un métier jouissif. C’est du travail, mais qui amène tellement de plaisir.

Quand j’étais enfant, j’avais écrit mon propre spectacle et j’ai découvert que j’avais un attrait pour l’écriture que j’ignorais. Ce n’était pas une écriture littéraire, mais une écriture de cinéma ou de théâtre.

C. : Comment avez-vous choisi Sergi López comme poète ?
Y. M. : Il y a des évidences avec certaines familles d’acteurs. On ne s’était jamais rencontrés, mais il me plaisait de ce qu’il respirait, de ce qu’il était. Et, c’est un immense acteur. Au départ, il devait incarner un poète français, André Pierre de Mandiargues. On a résolu le problème avec ma coscénariste en disant qu’il aurait un accent espagnol. J’ai un peu tourné pour voir quel acteur pourrait incarner le personnage. Il fallait un acteur de mon âge, 70 ans, il est un peu plus jeune, mais on a la même corpulence et ça passe.

C. : Et pour les autres acteurs ?
Y. M. : Cela dépend. Celui qui a été immédiat, c’est Grégory Gadebois pour qui j’avais beaucoup d’admiration. Je savais que c’était une belle personne. Et pour faire le rôle que je lui propose, de se travestir la nuit, il le fait avec beaucoup de finesse malgré sa stature. Thomas Guy, je l’avais vu en casting et je l’avais vu dans un film quand il avait vingt ans. Il est très intérieur. Pour Esteban, c’était en casting aussi. Il m’avait fait beaucoup rire, mais au départ, je cherchais quelqu’un qui pouvait jouer la chanson de Johnny Cash I’m so lonesome I could cry. Je voulais faire chanter cette chanson à tous les protagonistes comme une manière de sortir du film. Chacun devait parler de sa solitude en chantant cette chanson juste pour soi. Finalement, j’ai changé mon fusil d’épaule. Esteban ne savait pas vraiment jouer de la guitare, mais il chante très bien. À la fin, il a trouvé sa place comme chanteur dans le groupe. J’ai dû chercher longtemps pour trouver.

C’est aussi le premier rôle au cinéma pour William Sheller. Auparavant, il m’avait dit qu’il voulait être mon ami sur les réseaux et j’avais été flattée. Il fallait que je trouve un curé un peu spécial, le curé de mon enfance, plus âgé que moi aussi et il fallait trouver un acteur qui ait la musicalité du phrasé d’un curé. Je suis allée à l’école catholique et lui aussi, et il a l’oreille. Pour moi, le curé est celui qui est le plus conscient de l’époque actuelle. Il a les yeux grands ouverts. C’est un personnage que j’aime beaucoup, il est formidable.

C. : Vous êtes dans la continuité du réalisme magique au cinéma.
Y. M. : On part de quelque chose du réalisme et j’aime bien imaginer le cinéma comme étant un support pour pouvoir raconter les choses de différentes manières. J’aime l’envisager comme de la peinture. Par exemple, quand ils reviennent du mariage, ils se suivent le long de l’eau et cette image me fait penser à Pina Bausch. On peut s’autoriser plein de formes d’expression avec l’image. On n’est pas que dans les mots, dans la vitesse. Ce n’est pas une écriture littéraire et tout est possible. On peut raconter les choses de différentes manières et c’est là que réside la poésie du film. Elle n’est pas mise en avant, mais au même niveau que la peinture, l’amour, l’art, comme quelque chose qui nous élève.

C. : Vous vous êtes inspirée d’un peintre ou d’une photographe pour imaginer la couleur du film ?
Y. M. : Au départ, je voulais que ce film soit un conte ou une fable. L’un comme l’autre suggère des paysages enchantés. Il y a des couleurs comme dans les livres d’enfant et je trouve que le travail de la directrice de la photographie, Irina Lubtchansky, est absolument magnifique. La vallée de la Meuse est déjà un paysage féérique et elle a su tirer parti de cela en allant vers le conte.

C. : Comment avez-vous trouvé votre splendide robe de mariée ?
Y. M. : On dirait qu’elle sort tout droit d’un conte, elle fait penser aux robes des poupées russes. C’est la costumière Anaïs Romand qui l’a conçue. Mireille est une vieille baba cool avec des vestiges de couleurs. C’est une robe qu’elle se fait prêter par son amie Aminata même si on ne voit plus cette scène dans le film. Je trouve que c’est culotté dans les choix.

C. : On parle de votre cinéma comme étant politique et poétique à la fois. Vous le revendiquez ?
Y. M. : Oui, on part d’un réalisme pour aller vers le conte. Il est assez libertaire. Il parle d’une époque actuelle où il est difficile de rêver avec tout ce qui se passe. Pour les jeunes d’aujourd’hui, c’est difficile de se projeter avec les guerres, le climat, le Covid. On a pu rêver à 20 ans, aujourd’hui, c’est plus complexe. Heureusement qu’ils s’engagent, mais ne pourrait-on pas remettre en question les valeurs d’une société néolibérale, celle de l’argent qui gouverne le monde ? Mon film reste léger, mais il y a tout cela derrière.